Tóm tắt.

Trong thời kỳ Phục hưng đỉnh cao của Ý; tinh thần của chủ nghĩa Nhân văn được bao trùm; trong đó các nghệ sĩ đã cố gắng nghiên cứu sâu sắc về con người để luôn tốt hơn. Một người đắm mình trong sự hiểu biết sẽ trở thành sau này được gọi là “người đàn ông phục hưng”. Leonardo da Vinci là nguyên mẫu đầu tiên của thuật ngữ này. Mặc dù sở thích cá nhân của ông đã dẫn đến sự thành thạo về nhiều lĩnh vực; ông được coi là một trong những họa sĩ vĩ đại nhất mọi thời đại. Các tác phẩm mang tính biểu tượng của ông tiếp tục được nghiên cứu và tôn kính đến ngày nay.

Virgin of the Rocks (1483-1486)

Bức tranh này trình bày Madonna với các phiên bản trẻ sơ sinh của Chúa Kitô và John the Baptist; cùng với tổng lãnh thiên thần Gabriel. Bộ tứ nằm giữa một cảnh quan thần bí; bức tranh tưởng tượng là ví dụ cho sự thành công của Leonardo với chiều sâu của bố cục. Juxtaposed với các nhóm thân mật ở phía trước; khung cảnh hoàn toàn tưởng tượng của đá và nước; cho thấy chất thơ mộng truyền đến người xem cảm giác gần với thiên đường; cũng như chứng kiến ​​một sự cộng hưởng của nỗi đau giống như con người.

Thánh Gioan là vị thánh bảo trợ của Florence và sự mô tả của ông trong tác phẩm này là rất quan trọng. Theo truyền thống của Florentine; ông là một người bạn chơi của Chúa Kitô; nhưng ông cũng nhận thức được sự hy sinh trong tương lai của Đấng Chúa cho nhân loại. Giống như các nghệ sĩ khác của thời đại; Leonardo da Vinci đã quan tâm đến việc trình bày các câu chuyện tôn giáo được biết đến một cách không lý tưởng hóa; do đó nhân bản hóa thế tục.

LIÊN HỆ VỚI ART LAND ĐỂ HIỂU SÂU VỀ NGÀNH :

[button size=”medium” style=”primary” text=”FANPAGE LUYỆN THI KIẾN TRÚC – MỸ THUẬT ART LAND” link=”https://www.facebook.com/LopDayVeArtLand/” target=””]

Oil on wood transferred to canvas – Louvre, Paris, France

Hình ảnh sử dụng một sự bố cục kim tự tháp như các nghệ sĩ thời Phục hưng đỉnh cao. Leonardo da Vinci đã thể hiện hoàn hảo về chuyển động giải phẫu và tính lưu động nâng của các dáng người với một cảm giác chuyển động thực tế. Cử chỉ và ánh mắt của họ tạo ra một sự thống nhất động. Ngoài ra, phong cách sfumatohiện diện theo cách phối màu và phác thảo thành một nền mềm mại; cũng tăng cường cảm giác tự nhiên và tạo không gian ba chiều. Bức tranh là một ví dụ đầu tiên về việc sử dụng oil pigment; tương đối mới ở Ý; và cho phép các nghệ sĩ nắm bắt các chi tiết phức tạp, cũng dẫn đến cảm giác cuộc sống thực sự của tác phẩm.

Bức tranh này đã có ảnh hưởng rộng lớn. Tác giả Angela Ottino della Chiesa đã xác định một số bức tranh lấy cảm hứng từ tác phẩm này bao gồm Holy Family và St. John bởi Bernardino Luini, Thuelin Madonna của Marco d’Oggiono, và Holy Infants Embracing của Joos van Cleve. Những nghệ sĩ Flemish như Quentin Matsys cũng đã sao chép hình ảnh.

The Vitruvian Man (c.1485)

Vitruvian Man mô tả một người đàn ông ở hai vị trí chồng lên nhau. Ở một vị trí, chân của người đàn ông cùng với cánh tay dang rộng biểu thị khối lượng hình vuông. Ở vị trí thứ hai, chân của người đàn ông đứng ngoài và cánh tay của anh ta mở rộng để biểu thị chu vi của một vòng tròn. Bóng đổ thể hiện tinh tế của các yếu tố như tóc tạo cho bản vẽ cảm giác không gian ba chiều.

Trong văn bản kèm theo bản vẽ; Leonardo da Vinci mô tả ý định nghiên cứu tỷ lệ người đàn ông như được mô tả của kiến ​​trúc sư La Mã Vitruvius (người được đặt tên); trong thế kỷ thứ nhất trước Công nguyên;  trong luận án De Architectura (On Architecture, xuất bản dưới dạng Ten Books on Architecture). Vitruvius đã sử dụng các nghiên cứu của riêng mình về người đàn ông cân đối để ảnh hưởng đến thiết kế của ông về các ngôi đền, tin rằng sự đối xứng là rất quan trọng đối với kiến ​​trúc của họ. Leonardo đã sử dụng Vitruvius như một điểm khởi đầu cho cảm hứng trong các nghiên cứu giải phẫu của riêng mình; và hoàn thiện hơn nữa các phép đo của mình; điều chỉnh hơn một nửa các tính toán ban đầu của Vitruvius.

Pen and ink on paper – Accademia, Venice, Italy

Ý tưởng về tỷ lệ tương đối đã ảnh hưởng đến kiến ​​trúc thời Phục hưng phương Tây; và vượt ra ngoài như một khái niệm để tạo ra sự hài hòa giữa trần gian và cõi tiên trong các nhà thờ; cũng như thời gian trong các cung điện và dinh thự nguy nga.

Cuối cùng, Vitruvian Man là một nghiên cứu toán học về cơ thể con người làm nổi bật bản chất của sự cân bằng và sự đối xứng cho chúng ta; một sự hiểu biết sẽ khởi đầu cho tất cả các sản phẩm của Leonardo; nghệ thuật, kiến ​​trúc và hơn thế nữa. Nó cũng đi theo với chủ nghĩa nhân văn thời Phục hưng; đặt con người liên quan đến thiên nhiên; và như một liên kết giữa trái đất (hình vuông) và thiêng liêng (hình tròn). Nó kết hợp sự hiểu biết tuyệt vời của khoa học với sự xuất sắc của ông trong bản thảo.

Bức tranh này thực sự đã trở thành huyền thoại và đã xuất hiện trong nhiều tác phẩm của các nghệ sĩ khác từ Glad Day của William Blake hoặc The Dance of Albion (c.1794), đến nghệ thuật đương đại như trong Natru’s Vitruvian Woman.

The Last Supper (1498)

Công tước Milan, Ludovico Sforza; ủy nhiệm Bữa Tiệc cuối cùng cho phòng ăn của Tu viện Santa Maria della Grazie. Nó phản ánh câu chuyện nổi tiếng về bữa ăn cuối cùng mà Chúa Giê Su đã chia sẻ với các môn đồ trước khi bị đóng đinh; và cụ thể hơn, khoảnh khắc sau khi ông nói với họ rằng một trong số họ sẽ phản bội ông.

Mỗi tông đồ được thể hiện riêng lẻ trong những biểu hiện khác nhau của sự bối rối, hoài nghi; và kinh ngạc khi Judas đứng trong bóng tối ôm chặt chiếc ví đựng ba mươi mảnh bạc mà anh nhận được vì sự phản bội của mình. Chúa Giêsu ngồi trung tâm; với bánh mì và một ly rượu vang biểu hiện đến Thánh Thể. Đằng sau, qua cửa sổ, tạo ra một cảnh quan lý tưởng; có lẽ ám chỉ thiên đường trên trời; và ba cửa sổ có thể biểu thị ba ngôi thánh.

Fresco – Convent of Sta. Maria delle Grazie, Milan, Italy

Chưa từng có chủ nghĩa hiện thực như vậy được sử dụng để mô tả khung cảnh cổ điển của thời điểm then chốt đó vào đêm trước của cuộc hành trình của Chúa Kitô đối với sự đóng đinh. Tính xác thực và chi tiết phức tạp kết hợp với việc dùng một điểm tụ. Đặt Chúa Giêsu vào mấu chốt của không gian hình ảnh mà từ đó tất cả các yếu tố khác phát ra; là để báo trước một hướng mới trong nghệ thuật Phục hưng đỉnh cao.

Hơn nữa, việc sử dụng kỹ thuật điểm biến mất đã làm hài lòng thiết lập phòng ăn của bức tranh; cho phép mảnh ghép vào không gian như thể đó là một phần mở rộng tự nhiên của căn phòng. Tất cả những yếu tố này bị ảnh hưởng rất nhiều; và được sử dụng bởi các đồng nghiệp của Leonardo thời đó bao gồm Michelangelo và Raphael. Bởi vì các loại sơn gốc nước thường được sử dụng cho những bức bích họa thuộc loại này không có lợi cho kỹ thuật sfumato đặc trưng của Leonardo; ông đã chọn sơn dầu cho công trình này.

Thật không may, dầu khi kết hợp thạch cao sẽ rất tai hại, như trước khi chết của nghệ sĩ; sơn đã bắt đầu bong ra khỏi bức tường. Các kiệt tác đã được phục hồi liên tục trong nhiều thế kỷ, nỗ lực cuối cùng kéo dài 21 năm trước khi hoàn thành vào năm 1999. Rất ít sơn gốc vẫn còn.

Salvatore Mundi (c.1500)

Vua Louis XVII của Pháp được cho là đã ủy nhiệm vẽ Salvator Mundi sau khi chinh phục Milan năm 1499. Bức tranh là một bức chân dung của Chúa Giêsu trong vai trò vị cứu tinh của thế giới và bậc thầy của vũ trụ. Điều này được phản ánh qua biểu tượng. Bàn tay phải được giơ lên ​​với hai ngón tay mở rộng khi người ban cho sự nhân từ thiêng liêng. Bàn tay trái nắm giữ một quả cầu tinh thể; đại diện cho các tầng trời. Đây là một bức chân dung khác thường ở chỗ nó cho thấy Chúa Kitô; trong trang phục đời thường, như một người đàn ông mặc trang phục Phục Hưng; nhìn thẳng vào người xem.

Đây là một bức chân dung nửa thân; đó là một sự khởi đầu triệt để từ các bức chân dung đầy đủ; làm cho hình ảnh tổng thể được thấm nhuần với một sự thân mật tăng cường. Nó là đại diện cho sự thành thạo của tất cả các kỹ thuật độc đáo của Leonardo. Sự mềm mại của ánh mắt, thu được sự tôn kính từ người xem.

Oil on wood panel – Louvre, Abu Dhabi

Chủ nghĩa hiện thực cực đoan của khuôn mặt bao gồm một cảm xúc và sự biểu cảm được xác định bởi sự thành công của nghệ sĩ với tính chính xác giải phẫu. Bóng tối và bóng đổ tạo ra một chiều sâu,;trái ngược với ánh sáng phát ra từ ngực Giêsu.

Salvator Mundi đã được bán đấu giá vào năm 2017 với số tiền chưa từng có 450,3 triệu đô la; một minh chứng cho sự hấp dẫn vượt thời gian của những kiệt tác của Leonardo; và bằng chứng về tầm quan trọng của di sản của ông vẫn còn hiện hữu cho đến ngày nay.

Mona Lisa (c. 1503)

Mona Lisa, còn được gọi là La Gioconda, được cho là bức chân dung của Lisa Gherardini; vợ của một thương gia Florentine tên là Francesco del Gioconda. Bức chân dung bán thân đầy sáng tạo cho thấy người phụ nữ ngồi trên ghế với một tay đặt trên ghế và một tay đặt trên cánh tay. Việc sử dụng sfumatocreates một cảm giác êm ái mềm mại; mà phát ra từ cô ấy, và ảnh hưởng đến cảnh quan nền với một chủ nghĩa hiện thực sâu sắc. Chiaroscuro tạo ra một chiều sâu sâu sắc trong phần này; giúp mắt di chuyển qua bức tranh. Nhưng đó là nụ cười bí ẩn của cô, từ từ hóa người xem, cùng với những bí ẩn về những gì đằng sau nụ cười nổi tiếng đó.

Tác phẩm này là một trong những tác phẩm mang tính biểu tượng nhất của Leonardo vì nhiều lý do. Các bức chân dung trước tập trung vào việc trình bày bề ngoài của người; tính cách của chủ thể chỉ được gợi ý qua các vật thể, quần áo hoặc cử chỉ tượng trưng. Tuy nhiên, trong bức tranh này, ước muốn của Leonardo là thu hút nhiều hơn.

Leonardo da Vinci muốn thể hiện một cái gì đó của linh hồn, mà ông đã thực hiện với sự nhấn mạnh lớn lao của mình vào nụ cười kỳ lạ độc đáo của cô. Cô ấy không đơn giản mỉm cười với nghệ sĩ; cô ấy bị bắt trong một khoảnh khắc đặc biệt của cảm giác. Người xem bị bỏ lại để tự hỏi cô đang nghĩ gì; nụ cười có thể có ý nghĩa gì và cô là ai. Sự mơ hồ của biểu hiện mời gọi chúng ta tham gia với tác phẩm ở cấp độ cá nhân khi chúng ta cộng hưởng với sự mô tả rất nhân văn về việc bị bắt giữa cảm xúc.

Oil on wood panel – Louvre, Paris, France

Cảnh quan cũng quan trọng trong việc cung cấp cảm giác tự nhiên này. Đã có rất nhiều suy đoán về nguồn gốc của vị trí nhưng nó được hiểu rộng rãi hơn rằng đó là tưởng tượng; một khung cảnh được tạo thành từ tâm trí của Leonardo cũng có thể ám chỉ đến thế giới bên trong thơ mộng của Mona Lisa.

Bức tranh này đã được giữ gìn cẩn thận và được bao quanh bởi một cảm giác sợ hãi liên tục trong năm trăm năm qua kể từ khi nó được vẽ. Tác phẩm ấy cũng đã truyền cảm hứng cho nhiều nghệ sĩ. Raphael vẽ lên nó cho một bản vẽ năm 1504. Vô số nhà văn đã viết về cô ấy, giống như nhà thơ người Pháp Theophile Gautier vào thế kỷ 19, người đã gọi cô ấy là “nhân sư mỉm cười bí ẩn.” Năm 1954, Salvador Dali tạo ra bức chân dung tự họa của mình là Mona Lisa và vào năm 1963, Andy Warhol đã đưa cô vào sản phẩm màn hình lụa đầu tiên của mình với Mona Lisa “Ba mươi là tốt hơn một.”

Hình ảnh của cô cũng được tái tạo không ngừng trên nhiều bản in, áp phích và các sản phẩm thương mại trong các thị trường văn hóa đương đại hiện đại.

Theo theartstory.org

[button size=”medium” style=”primary” text=”NHẬN TƯ VẤN NGÀNH NGHỀ CÙNG LỚP DẠY VẼ LUYỆN THI KHỐI V,H ART LAND” link=”https://www.messenger.com/t/LopDayVeArtLand” target=””]

Bài Viết Liên Quan:

• tin tức

PINTEREST: 91 BÀI VẼ CHÂN DUNG SÁNG TỐI